Después de dos semanas, por el viaje a Suecia (y algo de Dinamarca), vuelve esta sección habitual de recomendaciones fotográficas de cada domingo. Y empezaré por el tablero de Pinterest de estas dos semanas.
En cuanto a las fotografías acompañantes, esta semana he estado utilizando cámaras de película tradicional, fundamentalmente blanco y negro aunque también color. Pero todavía no están disponibles las fotos. Algunas se están escaneando mientras escribo esto... pero todavía no. Como también estuve probando una nueva aplicación para el teléfono móvil, Blackie, para fotografía en blanco y negro con un razonable nivel de control en el momento de la toma.
Es poco convencional que yo utilice el teléfono móvil como cámara. Para qué lo voy a usar si puede llevar encima sin mucho problema aparatos mucho más versátiles y de calidad y que ahora se conectan fácilmente el teléfono en el caso, poco frecuente, en viajes si acaso, de que quiera enviar una imagen de inmediato. Así que hoy voy a hablar de aparatos fotográficos poco convencionales para trabajos poco convencionales. Entre alguna otra cosa.
Por ejemplo, hablemos un poco de Bill Cunningham, fotógrafo que durante décadas ha documentado la moda neoyorquina para The New York Times. Hasta hace bien poco se le veía con una Nikon para película tradicional. Pero es que cuando empezó llevaba una simple Olympus Pen, ni siquiera de las de objetivos intercambiables, una D2 o D3 según lo que se puede ver en algún artículo. Cámara de medio formato, 18 x 24 mm, para reflejar la moda de la capital del mundo.
En Jot Down, ahora que terminan los Juegos Olímpicos, aseguran que la mejor fotografía del mundo del atletismo es aquella que realizó Tony Duffy del legendario salto de longitud de Bob Beamon en Méjico 1968. Hoy en día se utilizan notables equipos de cámara y teleobjetivos que cuestan muchos miles de dólares para estas disciplinas. Pues bien, aquella fotografía de Duffy fue realizada con una Nikkormat, una cámara de la gama para aficionados y más económica de Nikon. Eso sí... no estoy de acuerdo en lo que dicen en el artículo sobre que era una cámara pequeña. Y de hecho, las Nikkormat, Nikomat en Japón (es así como se pronuncia el nombre), estaban construidas como tanques. Pero eran la gama de aficionados. El objetivo era un 300 mm, y ese sí que era de gama alta. Pero de enfoque manual. Que estamos hablando de 1968.
Me ha gustado el artículo de 35mmc dónde nos cuenta Nicholas Koh cómo opta para realizar un reportaje en el desierto del Gobi por una Contax G2, un sistema ya desaparecido. Incluso la marca Contax, otrora prestigiosa, ha desaparecido del mercado hace ya años. Un sistema ligero para viajar, con ópticas de gran calidad, firmadas por Carl Zeiss, y muy fiable. También para película tradicional. Ved las fotos y opinad.
He estado viendo los vídeos en Youtube de FullBleed. Muy interesantes. En inglés... pero nos cuentan cosas de fotógrafos, algunos conocidos, otros menos, que son muy instructivas. Me ha gustado el vídeo dedicado a Laura Pannack sobre su serie The Walks (Los paseos)... y es que, cuando tantas veces nos dicen que para pasear por las calles hay que llevar cámaras discretas y ligeras, Pannack opta por una Hasselblad... Os dejo el vídeo.
Interesante lo que nos cuentan en PetaPixel de la iniciativa Cafe Art, por la cual se repartieron 105 cámaras de un solo uso de Fujifilm a personas sin techo de Londres. Y han seleccionado las mejores para realizar un calendario. Las fotos llegan a ser realmente buenas. Y si creéis que por ser personas sin techo son poco fiables, de las 105 cámaras se recuperaron 99, un 94% largo, con más de 5000 fotografías de las calles de Londres.
En este verano he dedicado algún carrete a la estenopeica con película negativa en color y blanco y negro. Los resultados... no están mal, pero... El caso es que en The Phoblographer he podido ver las fotografías de Kenneth Leishman, paisajes realizados con cámaras estenopeicas con película negativa color. Fenomenales. Una cosa tengo clara... además de trabajar mucho para conseguir tener una visión que se acerque a la de esas fotografías... estaría bueno que el estenopo de las cámaras fuera un poquito más estrecho que los que yo tengo. Del f/135 de mis cámaras al f/235 de las Zero Image 69 hay una diferencia en la nitidez de la imagen, sin perder el aspecto ensoñador de la fotografía estenopeica.
En Juegos Olímpicos anteriores fue conocido el caso del fotógrafo David Burnett que fotografiaba ocasionalmente con una cámara de gran formato, con película negativa en blanco y negro de 9 x 12 cm. Pues bien, en los recientes juegos de Río, Jay L. Clendenin ha utilizado para hacer los retratos de los deportistas una cámara de gran formato de 20 x 25 cm, utilizando directamente papel fotográfico, para ahorrar costes. Nos lo contaron en DSLR Magazine. Y el vídeo lo podemos ver en Los Angeles Times...
Después de todo, igual tenemos que hacer caso de las cinco verdades incómodas de la que nos hablan en Format Magazine...
El équipo importa... aunque no siempre en el sentido que imaginamos.
Photoshop no siempre es tu amigo.
A veces, no todo es el talento, también la capacidad de adaptación a las circunstancias.
La fotografía es más fácil de lo que nos gustaría admitir, lo difícil es tener ideas, proyectos y creatividad.
Necesitamos confiar en la tecnología... aunque no necesariamente la última. Sino la que se adecue a esas ideas, proyectos y creatividad.
Tengo un poco olvidado el tema del bodegón o naturaleza muerta. A ver si este otoño le dedico un tiempo. Mientras, para inspirarme, tiraré de las recomendaciones de Cada día un fotógrafo, donde estos días atrás nos hablaban de Olivia Parker, interesante fotógrafa de naturalezas muertas.
Finalmente, decir que ha aparecido el número 89 de Fraction Magazine. No voy a destacar ningún porfolio en esta ocasión... simplemente pasaros por allí y decidid vosotros mismos qué es lo que más os gusta.
Hoy se me ha echado el día encima. Por la mañana, no he tenido tiempo de ponerme a revisar los marcadores para posibles recomendaciones fotográficas de este domingo, y por la tarde he estado también muy ocupado. Para colmo, tengo acumulados marcadores de dos semanas. Así que seleccionaré unos poquitos de los más interesantes,... y los otros... mala suerte. Porque esta semana aparecerán nuevas noticias y sugerencias. Por supuesto, antes que nada, os dejo el tablero de Pinterest de estas dos últimas semanas.
Las fotografías de hoy corresponde a una exposición sobre el Greco y su influencia en el pintor Santiago Rusiñol, que a su vez coleccionó alguna obra del pintor del Siglo de Oro. Además de la exposición de pintura había otra... relacionada con el cine y la fotografía, de la que os hablaré más extensamente otro día. La exposición de pintura terminaba hoy... así que ya no os la puedo recomendar...
Empezaré por recomendar una entrada en BJP-Online, la versión en línea del veteranísimo y siempre interesante British Journal of Photography, a cuya versión electrónica estoy suscrito además, aunque tengo pendientes de leer muchos artículos. El mencionado artículos nos habla, al mismo tiempo que nos muestra fotografías, de una revista japonesa que apenas sobrevivió dos años, Provoke. El nombre lo dice todo. Pero es que en ella publicaron nombres como Daidō Moriyama, Shōmei Tōmatsu y Nobuyoshi Araki, que marcaron las tendencias de la fotografía nipona en los años siguientes. Ruptura con la tradición, mayor compromiso social y personal, e imágenes muchas veces convulsas, con composiciones rompedoras, muy expresionistas.
Siguiendo con la fotografía japonesa, en este caso nos vamos a pasar al trabajo, contemporáneo, de una fotógrafa de esta nacionalidad, aunque también reside de vez en cuando en los Estados Unidos. Nos la proponen en Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red, y se trata de Shiho Fukada. Fotógrafa y directora de cine, con un trabajo fundamentalmente documental y en color, y muy comprometido con los trabajadores y las personas más desfavorecidas. Las desgracias del sunami de 2011, los niños trabajadores, el tráfico de personas,... son algunos de los temas que trata, entre otros, tanto en la fotografía fija como en los documentales cinematográficos. A mí me ha parecido muy interesante.
También me interesó mucho el trabajo de Paola de Grenet, tal y como nos lo contaron en una entrevista a la fotógrafa en Quesabesde. De Grenet es de origen italiano, pero ha vivido en Londres y en la actualidad está radicada en Barcelona. Aunque su trabajo ha abarcado diversos campos, también bastante comprometidos socialmente, en la entrevista se centran en la serie Barely Legal. Este término en inglés es el que se usa en el mundo del porno para indicar el sexo con chicas muy jóvenes, de aspecto adolescente, pero que cumplen el requisito legal de tener más de 18 años. El trabajo de de Grenet no tiene que ver con el mundo del porno, en absoluto. Son retratos de chicas entre los 18 y 21 años que la fotógrafa ve en una transición todavía entre esa adolescencia oficialmente pasada y una persona realmente adulta. Aunque con muchas más libertades que las que tuvieron sus antepasadas en toda la historia, al menos las de cultura occidental, la fotógrafa las percibe de todos modos confusas, conflictuadas e inseguras... y eso es lo que quiere transmitir en los retratos... y creo que lo consigue. Pero tiene otros trabajo igualmente interesantes.
Llega estos días atrás y un tal Brooklyn Beckham, que resulta ser hijo de uno de los muchachotes que se hacen ricos dándole patadas a un pelotón y de una "cantante" pop de uno de los grupos más horribles y horteras de la música pop, y anuncia en sus redes sociales que una marca muy conocida de ropa le ha contratado para su siguiente campaña de publicidad como fotógrafo... Tiene 16 años. La que se ha montado con el resto de fotógrafos profesionales y que llevan años currándoselo... Han puesto al chavalín, paradigma del pijerío famosil, y a la marca de ropa de vuelta y media... Y digo yo que igual tienen razón. Vamos... seguro que tienen razón. Porque el niño este con nombre de barrio de Nueva York no tiene más mérito real que ser hijo de quien es. Eso sí... no duda en exhibirse retratándose con sus Leicas y sus cámaras de formato medio. Mientras que los más afortunados de los adolescentes de su edad que consiguen una cámara réflex suele ser el modelo de turno entre los 450 y los 600 eurillos... Ni ética, ni estética, ni educación. Cierto es que en el mundo de la fotografía de moda hay mucha tontería, incluso en los profesionales veteranos y consagrados, y observaréis que no sale mucho en estas páginas... pero llegar a esto. Como dicen por ahí, el pijito no fotografía la campaña publicitaria; el pijito ES la campaña publicitaria.
Y tenemos que saludar la llegada de una nueva revista digital, en línea, dedicada según nos dicen a aquellos que aman la fotografía. Pues gracias por la dedicatoria. Se llama CLAVOARDIENDO (lo escriben así, todo junto), y de momento parece que está bastante interesante, por el estilo de lo que podemos ver por el mundo mundial. Dignamente presentado y con artículos con miga, dentro de lo que da de sí en profundidad los medios en internet. Estaremos al tanto. Espero ir trayendo recomendaciones a estas páginas procedentes de esta revista. Por ejemplo, podéis ver el artículo titulado Georgia on my mind, de la fotógrafa Ana Amado, que ya nos indica que van a dar cancha a fotógrafos poco conocidos.
Esta mañana, cuando he visto que tenía 30 marcadores como posibles inclusiones para las recomendaciones semanales de este domingo me he dado un susto de muerte. Muchos. Cuando he hecho la primera purga y he visto que todavía quedaban 26, todavía me he asustado más. Normalmente se reducen mucho en ese momento. Pero cuando he decidido que todos ellos podían entrar de una u otra forma en la entrada de este domingo es cuando he descubierto que hoy me he levantado mal de la cabeza. Como si no tuviera cosas que hacer además este domingo... En fin. Las fotografías acompañantes proceden una escultura con desechos que se puede encontrar a pocos kilómetros de Botorrita en la carretera que lleva a Fuendetodos. La fotografíe hace unos años y quería contrastar cómo le ha afectado el paso del tiempo. La comparación tal vez la publique otro día. De momento, algunas de las fotografías de ayer.
Todos podemos ser fotógrafos. Especialmente cuando nos dedicamos a recoger y documentar los hechos que suceden a nuestro alrededor, lo lugares que visitamos, a las personas que queremos. Lo que pasa es que hoy en día, con la omnipresencia del teléfono móvil con cámara incorporada, estamos en un camino de banalización de este fenómeno. Ante el exceso de imágenes, estas pierden valor. Y capacidad de supervivencia. Pero en L'Oeil de la Photographie nos muestran a través de una colección de fotografías que nos ofrece Paris Match de Philippe Le Tellier que el fenómeno viene de largo. Lo dicho, todos somos fotógrafos.
Este hecho se ha puesto especialmente de manifiesto estos días atrás con motivo de las revueltas en las calles de Baltimore, tensiones raciales que parece sacadas de las crónicas periodísticas de hace 50 años. Y la revista Time ha ofrecido como nos cuenta L'Oeil de la Photographie una poderosa portada, cuya fotografía procede de uno de esos aficionados, Devin Allen, que sube sus fotografías a Instagram, donde se dan a conocer.
Ahora se habla mucho de estas modalidades de la fotografía como street photography. La fotografía callejera. En realidad corresponde con lo que tradicionalmente se ha conocido como fotografía documental, que por el carácter urbanita del ser humano moderno, tiene un escenario habitual en las calles de las ciudades. En American Photo nos plantean la que puede considerarse la primera fotografía callejera moderna de la historia, que bajo el título de "Blind", fue realizada por Paul Strand en 1916. Es un plano americano de una mujer ciega, pidiendo en la calle, con un cartel que anuncia su condición; Blind. A rebufo de esta entrada, en American Photo también realizan un artículo en el que nos muestran los equipamientos de preferencia a lo largo de la historia para la fotografía documental en la calle. Porque este tipo de fotografía no fue posible hasta que hubo cámaras ligeras, ágiles de usar, con objetivos suficientemente luminosos para la sensibilidad de las películas de la época. Y la primera de ella sería la Adams "Idento" que verosimilmente, no hay seguridad, usó Strand para la fotografía de la mujer ciega. No faltan en la lista los nombres ilustres como Rolleiflex, Leica o Contax. Pero inevitablemente aparecen los Apple y Samsung que dominan el mercado actual de los teléfonos inteligentes, con los que cada día se toman millones de fotografías. En gran parte destinadas a desvanecerse en el olvido.
Hoy en día, los aparatos fotográficos llevan incorporado su propio material sensible, el captor electrónico que recoge los fotones y que a través de la diferencia de potencial producida construyen a través de sofisticados procesadores la imagen digital moderna. Pero antes una cámara no era nada sin la película que cargáramos en ella. Y en lo que se refiere a película en color, durante décadas fue la película inversible Kodachrome, en sus diferentes sensibilidades y declinaciones, la que reinó con sus colores potentes y saturados, el mundo de la película documental. Así lo reconocen en Gear Patrol, donde además nos ofrecen una estupenda colección de fotografías de distintos autores para demostrar las bondades de la emulsión de Kodak. Desaparecen los materiales míticos por que la gente no los usa, y una vez que desaparecen, todo el mundo se lamenta por no poder usarlos... la característica incoherencia del ser humano.
Siempre me gusta traer a algún fotógrafo clásico a estas recomendaciones, y en esta ocasión será Richard Avedon. Pero en esta ocasión, y tal como nos propone El verso del universo, y por no salirnos de tema, no serán sus más conocidas y glamurosas fotografías de modelos y actores/actrices. Conoceremos ejemplos de su variante de fotógrafo documental. Callejero, como se dice hoy en día.
Algunas recomendaciones en fotografía de paisaje:
En Popular Photography nos presentan la obra de Ray Collins, fotógrafo australiano que realizan unas magníficas y dramáticas fotografías de las olas del océano. Supongo que en las privilegiadas costas de su isla-continente.
En The Leica Camera Blog, habitualmente elaborado a mayor gloria de la marca alemana, nos muestran el trabajo de Cristina Faramo y sus interesantes paisajes realizados en las faldas de Etna, en su isla natal de Sicilia.
Como nos cuentan en The New Yorker, las fotografías de Daesung Lee, a modo de dioramas vivientes, reflexionan sobre las transformaciones de las praderas esteparias de Mongolia, amenazadas por el avance del desierto por culpa de la acción del hombre.
Otro enfoque es el del proyecto Homelands de Robb Hill, tal y como nos lo presentan en Lenscratch. También se trata de paisajes cambiantes. Pero en este caso, a través de sus panoramas en blanco y negro, muestra las transformaciones físicas y humanas del lugar donde creció, lugares que pierden su identidad y pueden conllevar a una sensación de desarraigo. Los norteamericanos son especialistas en el tema del paisaje alterado por el hombre.
Y ahora, pasemos al tema del retrato, siempre importante en fotografía.
En Lens Culture nos presentan el proyecto Black Faces de Marta Azevedo. Un proyecto destinado a dar visibilidad a la población de ascendencia africana, pero que habitualmente aparece escasamente representada en la imaginería del país, Brasil.
Ya comenté en semanas pasadas que la iniciativa Lensblr está proponiendo semanalmente una serie de muestras del trabajo de sus fotógrafos asociados. Y está resultando muy interesantes. Esta semana traigo dos.
Y hablemos un poco para terminar de publicaciones o revistas en línea. Una que menciono habitualmente es Fraction Magazine, que ha llegado a su número 74, con el que celebra su 7º aniversario, para lo cual nos hace una selección de 60 fotografías recibidas para este número. Creo que son bastante interesantes.
Y en Fototazo nos presentan a Try Hard Magazine. Una revista en línea de fotografía dedicada a fotógrafos que trabajan en Australia y Nueva Zelanda, y que también tiene algunas cosas interesantes que ofrecer.
En primer lugar, feliz día a todas las mujeres trabajen "oficialmente" o no. La inmensa mayoría trabajan de una forma u otra aunque no siempre se vea reconocido ni social ni laboral ni económicamente su trabajo.
Esta semana ha venido muy nutrida de posibles recomendaciones fotográficas así que intentaré ser selectivo y sintético para no aburrir demasiado. Las fotografías acompañantes corresponde a mis últimos ejercicios iluminando naturalezas muertas, con distintas soluciones para controlar el contraste de la escena, tanto con luz natural como con el uso de flash.
En primer lugar volveremos a visitar la obra del director de cine y también fotógrafo Wim Wenders. Especialmente sus excelente paisaje, sean en formato de panorámica o no que se trae de sus viajes por todo el mundo. Nos lo recordaron en Lens Culture.
En el blog de Photographs on the Brain encuentro una pequeña pero interesante muestra de la serie The Swimmers de Attilio Fiumarella. Además, cuando abro su página me encuentro con una bella naturaleza muerta tomada con luz natural. Se dedica con maestría tanto a la fotografía documental como a la de arquitectura. Su sitio web es para quedarse un buen rato.
Curioso ejercicio el que nos propone Xu Yong, que opina que los negativos de las fotografías pueden producir más impacto que las propias fotografías. Como nos muestran en Lens Culture, con fotografías tomadas en la plaza de Tiananmén en 1989, utilizamos el teléfono móvil o la tableta para poder ver la auténtica fotografía. Como decía, curioso. Y las fotografías, documentales, no dejan de tener interés.
Serie de fotografías tomadas con luz natural procedente de ventana orientada al norte y pequeña cartulina blanca como reflector en el lado opuesto. Hasselblad 503CX con Sonnar 150/4 y película Kodak Tri-X 400.
Una fotografía publicada en el excelente blog de Mark Peter Drolet, me lleva a conocer la obra de Dominic Hawgood. Con fotografías tanto en blanco y negro como en color, muy minimalistas en sus elementos, pero con una iluminación y una composición muy cuidadas, se mueve entre lo conceptual y lo documental de forma muy interesante.
Mark Peter Drolet suele publicar las entradas de su blog en tandas con una temática común. Y hace unos días publicó tres fotografías seguidas de la actriz Chloë Sevigny, de Mark Peckmezian, de Ryan McGinley y de Nicolas Wagner, una de las más interesantes de las dos últimas décadas aunque no haya recibido tanta atención como otras, y que claramente es adorada por la cámara. El tema está en que justo estos días, aprovechando el día de fiesta entre semana en Zaragoza, había seleccionado para volver a ver la película Kids del también fotógrafo Larry Clark, una controvertida película sobre la sexualidad de los adolescentes, tema que el fotógrafo ya había tratado con anterioridad en series tan duras como Teenage Lust o Tulsa, con una crudeza que había suscitado no poca incomodidad. En esa película, Sevigny hace su debut en el cine interpretando a una adolescente que tras dos relaciones sexuales con un mismo joven se encuentra con un resultado VIH positivo en un análisis que se realiza cuando acompaña a una amiga suya, mucho más promiscua a un centro de prevención de enfermedades de transmisión sexual. La película es muy desesperazandora... no apta para todos los públicos. Clark no hace concesiones al buenrollismo habitual en el cine actual...
Otra serie curiosa que nos trae Mark Peter Drolet, también hace unos días. A partir de una conocida fotografía de Jacques-Henri Lartigue, en la que vemos un vehículo desaparecer por un lateral de la fotografía, nos muestra sendas fotografías de Gabor Szilasi y de Marylise Vigneau, que repiten el tema, lo reinterpretan y lo recontextualizan. Me encantan estos diálogos entre las obras de los fotógrafos, incluso si entre ellas hay décadas de separación en su concepción y realización.
Serie de fotografías tomadas con luz de flash lateral a medio metro del objeto, con un pequeño accesorio difusor, y pequeña cartulina blanca como reflector en el lado opuesto. Canon EOS 5D Mark II con EF 70-210/3,5-4,5 USM y flash Speedlite 90EX (no participa en la exposición) como controlador a distancia del Speedlite 420EX, fuente de luz principal.
El blog de Mark Peter Drolet también es fuente habitual de inspiración para el tema de la naturaleza muerta, que ya sabréis que me interesa, como podemos ver en las fotografías de Anaïs Boudot y Thomas Hauser (página web del autor).
Y hablando de naturalezas muertas, esta denominación es más que adecuada para las inquietantes fotografías de Eran Gilat, tal y como nos las muestran en L'Oeil de la Photographie. Extraña pero fascinante muestra de órganos o animales muertos acompañados de instrumental clínico propio de cirujanos y otros métodos de exploración médica.
Finalizaremos comentando el número 72 de Fraction Magazine, recientemente publicado. Lo más destacado que acompaña a este número es la colectiva reunida a partir de los archivos de la revista en línea bajo el tema Mujeres sobre mujeres (Women o Women). Especialmente adecuado para este 8 de marzo, día internacional de la mujer, en el que se nos muestra la visión de las mujeres fotógrafas sobre otras mujeres. Creo que es una excelente colección que merece la pena ser visitada.
Serie de fotografías tomadas con luz de flash en posición casi cenital sobre el objeto, disparado a través de una paraguas translúcido. Canon EOS 5D Mark II con EF 24-105/4 IS USM o EF 50/1,4 USM y flash Speedlite 90EX (no participa en la exposición) como controlador a distancia del Speedlite 420EX, fuente de luz principal.
Hoy me salgo de la norma un poco en lo que se refiere a las recomendaciones semanales. En primer lugar, esta semana salen en sábado, no en domingo. Mañana se verá por qué. En segundo lugar, hoy no he revisado muy a fondo lo que traigo. Así que seré muy esquemático. Más que recomendaciones, sugerencias sobre lugares a visitar. Ayer por la tarde noche comencé con fiebre relativamente alta, que aunque he controlado bastante bien durante el sábado, me tiene un poco molido. En tercer lugar, las fotografías acompañantes no se corresponden a nada reciente. Son de mis primeras 24 horas en París. Ciudad que con el tiempo he visitado bastantes veces, pero que entonces concentraba toda mi admiración de viajero incipiente. Y además con el tiempo tiene algo especial, porque es de los poquísimos viajes en los que he coincidido con mi hermana. Si no tengo una laguna en memoria, por el extranjero sólo dos. Y los dos relacionados con la capital francesa. El resto tiene que ver con vacaciones familiares o con los tiempos en que ella vivía en cierta localidad de la costa mediterránea. No es lo mismo.
Siempre suelo comenzar con algún clásico. Voy con dos:
Eliot Elisofon es poco conocido, pero las fotografías que nos proponen en The New York Times me han parecido interesantes.
Josef Koudelka es un fotógrafo mucho más popular, pero quizá su panoramas en blanco y negro no lo son tanto, y L'Oeil de la Photographie nos propone algunos para introducirnos en ellos.
Dejemos los clásicos y vayamos a lo actual. Esta semana el reportaje ha quedado registrado repetidamente en mi Pocket:
El mundo de la gente pequeña en el sur de China según la joven y rubia fotógrafa belga Sanne de Wilde en Quesabesde.
El extraño mundo paralelo en el que se está convirtiendo la zona de exclusión en torno a la central de Fukushima, con los restos que dejaron atrás sus habitantes y la naturaleza recuperando terreno, tal y como la muestran Carlos Ayesta y Guillaume Bression en L'Oeil de la Photographie.
Hace unas semanas mencionaba el problema de las islas del Índico que que se hunden por el calentamiento global, en color, pero casi me han conmovido más las fotografías en blanco y negro sobre el mismo tema de Swastik Pal en Galli.
En una tono totalmente distinto, me ha llamado la atención el trabajo que realizó durante 15 años la belga Marilène Coolens con su hija Lisa de Boeck, que representa tanto el crecimiento y maduración de la niña, como los roles que puede llegar a representar en su futuro adulto. Aunque a veces las imágenes te dejen una sensación un poquito desasosegante.
Ya he comentado en semanas anteriores que el blog de Peter Mark Drolet es una fuente de inspiración constante. Algunas veces nos muestra serie de fotografías con un tema común en una serie de entradas. Como por ejemplo la imagen de la persona reflejada en el espejo.
Pero además me han gustado mucho un par de fotografías aisladas. Una perteneciente a un fotógrafo ya desaparecido, Bruce Whighton, que se dedicó a explorar su ciudad, Binghamton, en el estado de Nueva York. Su belleza en su aparente banalidad me tuvo un buen rato mirándola. Luego está el retrato de una actriz que siempre me ha gustado mucho, y este en clave alta de Michelle Williams por Mikael Jansson, también me atrajo mucho.
Otro retrato que también me llamó la atención la de una fotógrafa que aunque viva podemos considerar clásica, Mary Ellen Mark, de una de mis cantantes femeninas favoritas, Madeleine Peyroux, como nos la muestran en Jumple Pusher.
